성남문화재단

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[미리보기 1] 바리톤 크리스티안 게르하허 리사이틀: 그토록 아름다운,슈만이라는 세계

아름다운 목소리, 내면적인 통찰력, 민첩한 표현 그리고 작곡가와 작품에 대한 존경심을 모두 갖춘 성악가는 매우 드물다. 독일 출신의 바리톤 가수 크리스티안 게르하허가 바로 그런 드문, 위대한 예술가 중 한 명이다. 글 이준형 음악 칼럼니스트 ©Gregor Hobenberg 그는 어떤 무대에서도 자신을 드러내거나 카리스마로 무대를 장악하기보다는 작곡가와 청중의 중간에 선다. 작품을 쉽게 정리하거나 흥미롭게 꾸미지 않고, 자신이 발견한 작품의 다채롭고 복잡한 측면을 전해 주는 ‘객관적인’ 전달자다. 그가 침착한, 어찌 보면 다소 수줍은 태도로 무대에 올라 조금씩 청중을 음악에 몰입하도록 만드는 과정을 지켜보다 보면, 문득 ‘세계에서 가장 감동적인 가수’라는 <데일리 텔레그라프>의 찬사가 떠오른다. 그런 면에서 그의 예술이 가장 아름답게 빛나는 장르는 독일 가곡이다. 지난 20여 년 동안 가장 탁월한 가곡 해석자로 명성을 누렸지만, 게르하허는 참 독특한 성악가이기도 하다. 대단히 지성적이고 꼼꼼한 해석이지만 마치 옛 음유시인이나 마이스터징어가 그랬지 않았을까 싶을 만큼 자연스럽게 들린다. 그 누구보다도 청중의 이해와 공감을 중요하게 생각하면서도, “언제나 청중을 설득해서는 안 된다. 우리는 해석을 제공하는 사람이다”라고 말한다. 어쩌면 그래서, 게르하허의 노래가 그토록 강력한 설득력을 지닌 것일까? 이제 서정적인 하이 바리톤으로서 가장 원숙한 경지에 도달한 그가 들려주는 노래는 위대한 화가가 단지 몇 번의 붓질로 그려 낸 걸작을 보는 듯하다. <그라모폰>이 ‘어디서나 거의 최면적인 친근함과 수십 년 동안 구축한 단일한 마음으로 믿을 수 없을 만큼 상상력이 풍부한 세계를 창조했다’고 찬사를 보낸 슈만을 노래하는 이번 성남아트센터 리사이틀은 아주 특별한 무대가 되리라 믿는다. 공연의 또 다른 주인공은 피아니스트 게롤트 후버다. 최근 들어 ‘반주자’보다는 ‘가곡 피아니스트’라는 명칭을 쓰는 추세인데, 후버야말로 여기에 어울리는 연주자다. 후버의 피아노 연주는 가장 좋은 의미에서 섬세함과 통제력의 예술이라고 할 만하며, 특히 30년 넘게 함께 연주한 게르하허와의 호흡은 가장 복잡한 것도 단순하게 보이게 하는 경지에 도달했다. 두 사람은 게르하허가 언젠가 표현했던, ‘시를 이해하는 해답을 제공하는 것이 아니라 더욱 복잡하게 만드는’ 슈만 가곡의 놀라운 모순과 역설을 드러내리라 기대한다. 피아니스트 게롤트 후버 ©Marion Köll 바리톤 크리스티안 게르하허 리사이틀 일시 3월 9일(일) 오후 5시 장소 성남아트센터 콘서트홀 문의 031-783-8000

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[미리보기 2] 2025 마티네 콘서트 ‘아름답고 푸른 도나우’: 오스트리아로 떠나는 음악 여행

성남아트센터의 마티네 콘서트는 2025년에도 어김없이 계속된다. 2006년부터 시작해 스무 해째 이어 오는 성남아트센터의 대표 기획공연으로서 말 그대로 알차고 풍성한 프로그램을 선보이고 있다. 피아니스트 김태형이 사회와 해설을 더해 기분 좋은 아침을 선사하는 마티네 콘서트는 올해 드디어 오스트리아를 주제로 음악 여행을 떠난다. 클래식 음악의 수도라고 해도 좋았던 도시 빈을 중심으로 잘츠부르크, 린츠 등에서 태어나고 활동한 음악가들과 그들의 음악을 만나 보자. 글 양창섭 음악 칼럼니스트 ©shutterstock 3월 20일 첫 공연 ‘모차르트의 빈 시대’는 오스트리아의 대표 작곡가 모차르트가 빈에서 작곡했던 작품들을 소개한다. 1786년 빈에서 초연한 오페라 <피가로의 결혼> 서곡, 그보다 두 해 전 작곡한 피아노 협주곡 17번, 그리고 교향곡 39번, 41번과 함께 모차르트 교향곡의 정수로 평가받는 교향곡 40번까지 프로그램이 화려하다. 서진이 지휘하는 경기필하모닉이 연주하고, 생동감 넘치는 피아노 협주곡 17번의 협연자로는 피아니스트 신창용이 나선다. 하이든 역시 오스트리아에서 태어나 활동한 고전파의 중요 작곡가다. 4월 17일 공연 ‘하이든, 아이젠슈타트에서 런던으로’에서는 하이든의 두 교향곡과 트럼펫 협주곡을 만난다. 마티네 콘서트에 어울리는 부제를 가진 교향곡 6번 ‘아침(Le Matin)’은 7번 ‘낮’, 8번 ‘저녁’과 3부작을 이루는 작품으로 일출과 소박하고 상쾌한 아침을 묘사한다. 갑작스런 포르티시모로 유명한 94번 ‘놀람’ 교향곡이나 시그널 뮤직으로 유명한 트럼펫 협주곡 모두 전 악장을 감상할 가치가 충분하다. 김천시향 상임지휘자 김성진과 성남시향이 연주하고 KBS교향악단의 수석 트럼피터 남관모가 실력을 뽐낸다. 여행 도중 린츠에 들러 환대를 받은 모차르트는 자신을 위한 음악회가 열리자 단 나흘 만에 교향곡을 작곡한다. 교향곡 36번의 부제가 ‘린츠’인 까닭이다. 단시간에 작곡한 교향곡이라기엔 너무나 훌륭하다. 1백 년쯤 후 브루크너는 그 도시에서 오르가니스트로 활동했다. 그의 종교음악 ‘이새의 뿌리에서’는 린츠 대성당의 채플 봉헌식을 위해 작곡한 작품이고, <테 데움>은 브루크너 종교음악의 걸작으로 그의 교향곡 못지않은 감동을 자아낸다. 5월 15일 ‘린츠의 두 남자’는 부산시향의 상임지휘자 홍석원과 경기필하모닉 그리고 노이오페라합창단과 4인의 성악가가 음악의 도시 린츠로 안내한다. 합창음악으로만 꾸며진 무대도 만난다. 6월 19일 ‘빈 대가들의 합창음악’에서는 슈베르트의 종교적, 세속적 합창음악과 함께 <겨울 나그네>를 바리톤과 합창을 위해 편곡한 버전도 듣는다. 이어지는 하이든의 합창음악은 유머와 지혜를 들려주고, 모차르트의 노래는 오페라에서 뛰쳐나온 듯 아름답고 사랑스럽다. 한국 바로크 합창의 역사를 쓰고 있는 김선아와 콜레기움 보칼레 서울이 실력을 과시하고, <겨울 나그네>의 바리톤은 강형규가 맡는다. 동화 같은 이야기에 고귀한 이상을 좇는 이들의 모험이 펼쳐지는 <마술피리>는 다양한 스타일의 음악을 녹여낸 모차르트의 천재성이 드러나는 오페라(징슈필)로 빈에서 초연되어 당시에도 국제적으로 대성공을 거두었다. 7월 17일 공연은 <마술피리> 하이라이트를 만나는 무대다. 백승현 지휘의 코리아쿱오케스트라와 김제니, 김효종, 이상은, 김경천, 여지영 등 젊은 성악가들이 즐겁고 거룩한 여행을 떠난다. 2024년 마티네 콘서트 중 김태형과 소프라노 황수미의 무대 ‘과거와 현재의 대화’라는 부제를 지닌 8월 21일 공연은 오스트리아 작곡가들의 실내악을 만나는 무대다. 아름다운 안단테 악장이 돋보이는 모차르트의 디베르티멘토 후에 듣는 시닛케(A. Schnittke)의 ‘하이든풍의 모츠-아트(Moz-Artà la Haydn)’는 빈에서 음악을 공부한 이답게 고전파 음악을 자신만의 방식으로 해체, 재조립한 작품이다. 슈베르트의 싱그러운 피아노 5중주 ‘송어’ 4악장 이후 만나는 그라츠 출신 작곡가 로베르트 푹스는 말러와 시벨리우스 등을 가르친 명교수였다. 그의 세레나데 3번은 흔히 ‘시씨’라고 부르는 오스트리아의 엘리자베트 황후에게 헌정한 것으로 우아하고 서정적이며, 그녀가(를) 사랑한 헝가리의 집시 선율도 들어 있다. 이지혜가 이끄는 발트 앙상블이 순도 높은 음악을 들려주며, 올해에도 마티네 콘서트 전체를 이끄는 피아니스트 김태형이 ‘송어’에서는 건반 앞에 앉는다. 마티네 콘서트의 진행을 맡은 피아니스트 김태형 ©최재우 9월 18일 공연 ‘오스트리아 음악의 뿌리를 찾아서’는 바로크부터 모차르트까지의 실내악을 만나는 시간이다. 17세기 빈 궁정의 카펠마이스터였던 슈멜처(J.H.Schmelzer)의 ‘펜싱학교(Die Fechtschule)’는 제목처럼 펜싱을 묘사한다. 각각 프랑스와 베네치아에서 태어나 빈에서 활동한 무파트(J. Muffat)와 칼다라(A. Caldara)의 실내악도 빼놓을 수 없다. 유럽을 여행하며 새로운 음악을 전파, 확산시킨 공신들이다. 하이든의 친구였던 디터스도르프의 더블베이스 협주곡도 보테시니 콩쿠르 우승자 유시헌의 독주로 듣고, 피날레는 언제나 좋은 <아이네 클라이네 나흐트무지크>다. 고음악 불모지에서 맹활약 중인 카메라타 안티콰 서울이 연주를 맡는다. 빈에서 태어나 활동한 ‘영원한 방랑자’ 슈베르트는 수백 곡의 가곡을 남겼다. 10월 16일 베이스바리톤 사무엘 윤이 부를 슈베르트의 가곡은 그만의 성격 연기도 곁들여질 어두운 노래들이다. 특히 3인의 화자가 등장하는 ‘마왕’이 하이라이트이겠다. 김광현이 지휘하는 경기필하모닉이 말이 필요 없는 슈베르트 미완성 교향곡과 베토벤 극부수음악 ‘에그몬트’ 서곡을 가곡의 전후로 연주한다. (좌) 바리톤 사무엘 윤 / (우) 바이올리니스트 유다윤 ©Pino studio ‘낭만적인, 너무나 낭만적인’이라는 부제가 어울리는 늦가을 11월 20일에는 말러가 아내 알마에게 보낸 연서인 교향곡 5번 4악장 ‘아다지에토’를 듣는다. 모차르트에 버금가는 천재 코른골트가 할리우드 영화음악의 길을 연 후에 작곡한 바이올린 협주곡도 깊어 가는 가을에 딱 어울린다. 낭만주의로의 길을 낸 슈베르트의 교향곡 3번도 들을 기회가 무척 귀하다. 지휘자 최수열과 국립심포니가 연주를 맡고, 롱티보 콩쿠르 2위에 입상한 바이올리니스트 유다윤이 협연자로 나선다. 19세기 후반까지 빈을 휩쓸던 슈트라우스 일가의 왈츠와 폴카를 빼놓을 수는 없다. 합스부르크 제국의 마지막을 화려하게 수놓은 오페레타의 아리아들까지 더해지면 달달하기 그지없는 겨울날이 될 것이다. 12월 18일 ‘춤추는 빈, 왈츠와 오페레타’에서는 소프라노 박소영과 테너 김민석의 노래와 더불어 정한결이 지휘하는 성남시향이 흥겨운 음악을 연주하며 2025년 마지막 마티네 콘서트를 마감한다. 새로운 발견과 익숙한 즐거움이 어우러진 알찬 프로그램, 친절한 사회자, 실력파 지휘자와 악단, 다채로운 협연자 등 모든 것을 갖춘 2025 마티네 콘서트를 놓치지 마시길. 피아니스트 신창용 ©koiworks 2025 마티네 콘서트 ‘아름답고 푸른 도나우’ 일시 3월~12월 매월 셋째 주 목요일 오전 11시 장소 성남아트센터 콘서트홀 문의 031-783-8000

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[미리보기 4] 2025 성남장애예술인그룹전 <This Ability: 또 다른 능력>: 새로운 재능을 마주하다

성남큐브미술관은 3월 14일~4월 23일 성남아트센터 갤러리808에서 성남장애예술인그룹전 을 개최한다. 저마다의 독창적인 시각과 예술적 역량을 담아낸 이번 전시를 통해, 장애예술의 새로운 가치를 발견할 수 있을 것이다. 글 조한별 성남문화재단 전시기획부 1 권순욱, 우리가 사는 아름다운 세상 1, Mixed media on canvas, 130.3×162.2cm, 2024 2 최봄이, 나뭇잎과 꽃입니다, acrylic on canvas, 80.3×116.8cm, 2023 3 김태영, 꽃밭에 간 동물의 왕 사자, acrylic on canvas, 90.9×72.7cm, 2024 2023년 12월, 장애예술인의 창작 및 발표 기회를 확대하고 예술활동 활성화에 기여하고 자 문화예술진흥법 시행령1)이 일부 개정되었다. 주된 개정 내용은 국가 및 지방자치단체가 설치한 문화시설의 범위, 장애예술인의 공연·전시 등 정기적 실시 주기와 범위, 실시 시기이다. 이에 따라 성남큐브미술관 역시 다양한 전시기획을 통해 성남장애예술인 발굴과 이들의 창작생태계 활성화를 통해 문화적 다양성을 확대하고, 사회적 편견을 해소하기 위해 노력할 예정이다. 그 일환으로, 3월 14일부터 4월 23일까지 성남아트센터 갤러리808 제1전시실에서 열리는 성남장애예술인그룹전 은 장애예술인의 독창적인 시각과 예술적 역량을 선보이는 자리이다. 제목에서 살펴볼 수 있듯이, 장애(disability)를 단순히 극복의 대상이나 한계로 바라보는 기존의 시각에서 벗어나 장애예술인 개인의 고유한 능력(ability)에 주목하여, 이를 예술로 승화한 작품들을 통해 이해와 공감의 폭을 넓히고 모두가 동등하게 살아가는 세상의 가능성을 열고자 한다. 10대에서 50대까지 다양한 연령층을 아우르는 참여 작가 10인(권순욱·김태영·박규현·송진현·윤동규·이도원·이마로·이찬영·최봄이·황진호)이 이번 전시에서 저마다의 고유한 표현 방식과 감각을 담아낸 작품 50여 점을 선보인다. 장애예술인의 작업은 개인의 신체적·인지적 차이를 반영하면서도 독창적인 미적 언어와 예술적 탐구를 보여 준다. 이들은 전통적인 미술의 규칙을 따르기보다 자신만의 조형언어를 구축하여 개인의 예술세계를 만들어 나가는데, 이러한 특징은 장애예술인이 가진 ‘또 다른 능력’을 드러내며 기존 미술계에 새로운 시각과 가치를 제공하는 중요한 요소로 작용한 다. 이번 전시 역시 장애예술인의 독창적인 시각과 예술적 탐구를 통해 장애를 새로운 가능성으로 바라볼 수 있는 기회가 될 것이다. 또한 전시 관람객들의 편의를 위해 시각장애인용 오디오가이드와 쉬운 글쓰기 기반의 인쇄물 제작, 청각장애인용 온라인 전시영상 제작 등 다양한 접근성 지원을 준비, 누구나 온전히 전시를 경험할 수 있는 환경을 조성할 예정이다. 각기 다른 표현 방식으로 빚어낸 작품들은 예술의 경계를 확장하며, 공감과 소통을 이끄는 창이 된다. 성남장애예술인그룹전 을 통해 예술이 지닌 포용성과 다양성의 가치를 함께 나누는 자리가 되기를 소망한다. 1. 「문화예술진흥법」 제15조의2(장애인 문화예술 활동의 지원): ② 국가 및 지방자치단체가 설치한 문화시설중 대통령령으로 정하는 문화시설은 장애인의 문화예술 활동 기회를 보장하기 위하여 「장애예술인 문화예술 활동 지원에 관한 법률」 제3조 제1호에 따른 장애예술인의 공연·전시 등을 정기적으로 실시하여야 한다. 2025 성남장애예술인그룹전 일시 3월 14일(금)~4월 23일(수) 장소 성남아트센터 갤러리808 문의 031-783-8142~9

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[미리보기 5] 2025 소장품주제기획전 <비워지고, 채워지는>: 삶과 기억의 틈새를 새롭게 포착하다

성남큐브미술관은 2월 28일~12월 21일 2025 소장품주제기획전 <비워지고, 채워지는>을 개최한다. 미술관 소장품들을 하나의 주제로 엮어 기획한 이번 전시는 지난해 미술관이 수집한 소장품을 공개하고, 소장품 수집 맥락의 긴호흡을 다지고자 마련되었다. 글 김태은 성남문화재단 전시기획부 김래현, 그곳에 가면, 90.9×60.6cm, 한지에 흑연과 채색, 2022 인간과 기계, 현실과 가상이 혼재하는 시대 속에서 우리는 끊임없이 낡은 것을 새로운 것으로 채워 간다. 개인의 경험과 기억 또한 빠르게 순환하며, 지속적으로 무언가를 삭제하고 새로운 의미를 부여하는 과정에 있다. 이러한 흐름 속에서 이번 전시는 작가들의 시선을 통해 현실과 비현실의 경계를 탐구하고 삶을 재조명한 작업을 선보인다. 임남진은 개인과 사회의 유기적인 관계 속 단면을 일상의 모습으로 그려 낸다. 일상을 사유하며 삶을 시적으로 형상화한 <적요>는 깊이있는 색감과 절제된 구성을 바탕으로, 보이지 않는 세계를 자신만의 시각 언어로 표현한다. 김민호는 다양한 장소와 시간을 다층적으로 쌓아 가며 하나의 이미지로 재구성한다. 작품 <도시를 흐르다_롯데월드타워>는 시간의 변화를 다각적으로 기록하며, 흔들리는 이미지들의 흔적을 통해 관람자마다 다른 장면을 포착할 수 있도록 유도한다. 견고하게 구성된 김형욱의 작업은 정면을 바라본 풍경의 단편들을 자연스럽게 이어 낸 것이다. 정선 화암면의 풍경을 단위면적으로 분해하고 재구성한 <화암면>은 동일한 장면도 보는 이의 경험과 해석에 따라 다르게 인식될 수 있음을 보여 준다. 강승혜는 현실과 상상이 맞닿는 모호한 경계를 시각적 대비로 표현한다. 자연에 대한 동경을 시각화한 <여름날 오후>에서 아이와 동물은 현실과 비현실을 연결하는 존재로 등장해 상상의 공간을 확장한다. 박경의 <하얏티의 관객>은 부산 하얏트호텔에서 만난 관객들의 색채 선호도를 바탕으로, 그들의 인상을 색의 흐름으로 표현한 작품이다. 작가는 선과 색에 장소와 시간이 축적된 기억을 반영하여 추상적형태로 재구성했다. 임철민은 자신의 특정 경험을 오브제로, 특정지역의 풍경을 수묵 기법으로 표현한다. <종점>은 버스를 타고 귀가하던 중 잠이 들어 종점에 도착했던 경험을 바탕으로, 새벽의 공단이 지닌 공허한 분위기를 수묵화로 담아냈다. 신서윤은 인생의 불안감과 맞닿은 부분들을 가상의 공간으로 표현한다. 미하엘 엔데의『끝없는 이야기』에서 영감을 받은 <기둥의 숲>은 소리와 언어의 불확실성이 불러오는 감각적 불안을 시각화했다. 권력화된 ‘문자’를 파괴하면서 언어를 예술의 도구로 작동시키는 지희 킴의 <어제>는 영국 유학 시절 느낀 언어장벽으로 시작된 ‘북 드로잉 프로젝트’로, ‘책’을 새로운 창작의 공간으로 재구성하며 내밀한 기억과 연결한다. 김여운의 <클레오파트라와 안토니>는 현대사회의 고정된 기준을 넘어서는 생명력과 개성의 표현 속에 이미지 과잉 시대 속 존재의 본질에 대한 사유를 담아내고, 사진을 회화적으로 표현하는 박근주의 는 일상 공간을 추상적으로구성해 착시적 경험을 선사한다. 김래현은 자아를 표현하는 가장 함축적인 공간으로서 ‘집’의 의미를 탐구한다. 작품 <그곳에 가면>은 인터뷰를 통해 수집한 이야기를 바탕으로 기억과 공간, 관계의 깊이를 시각적으로 풀어내며, ‘집’이라는 공간 안에서 켜켜이 쌓아 올린 현대인의 초상을 은유적으로 표현한다. 끊임없이 비워지고 채워지는 현실 속에서 보이는 것과 보이지 않는 것, 유한한 시간과 무한한 상상이 교차하는 순간을 포착하는 이번 전시를 통해, 스스로를 다시 마주하고 삶의 의미를 모색하는 시간이 되길 바란다. 박근주, yellow shadow, 102×127cm, 피그먼트 프린트, 2023 2025 소장품주제기획전 <비워지고, 채워지는> 일시 2월 28일(금)~12월 21일(일) 장소 성남큐브미술관 상설전시실 문의 031-783-8142~9

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[다시보기] 하이브리드 퍼포먼스 <콜드 블러드>: 짧은 순간들이 만들어 낸 긴 여운

2024년 12월 13일, 14일 | 성남아트센터 오페라하우스 대부분의 공연에서는 막이 오르기 전, 이미 세팅된 무대 세트와 소품들이 앞으로 펼쳐질 공연에 대한 대강의 분위기를 상상하게 만들곤 한다. 하지만 <콜드 블러드>는 어떤 무대가 펼쳐 질지 조금도 예측할 수가 없었다. 텅 빈 무대 위에는 커다란 스크린과 이동식 카메라가 설치되어 있을 뿐 세트나 소품도 찾아볼 수 없었고, 진행요원처럼 새까만 옷을 입은 창작진만이 좌우로 바삐 움직이고 있었다. 이윽고 암전이 시작되자 예상을 뛰어넘는 풍경이 펼쳐지기 시작했다. 무대 위 카메라가 돌아가기 시작하고 정교한 미니어처와 인형, 조명과 소품이 만들어 내는 작은 세계가 카메라에 의해 새로운 생명을 얻은 듯 스크린에 비쳤다. 글 김주연 연극평론가 | 사진 최재우 <콜드 블러드>는 한 편의 일회성 영화와도 같은 공연이다. 무대 위에서 움직이는 모든 것들이 카메라에 의해 실시간으로 촬영되어 스크린에 투사된다. 하지만 필름으로 남아 언제든지 돌려 볼 수 있는 일반적인 영화와 달리 이 작품은 오직 공연 시간 동안만 촬영될 뿐, 막이 내리면 곧바로 흔적도 없이 사라진다. 유일한 기록 장치는 지난 12월 13일과 14일, 성남아트센터 오페라극장에 모여 현장에서 무대를 지켜본 관객들의 기억뿐이다. 75분의 길지 않은 공연이지만 매 장면 눈을 뗄수 없게 만드는 무대 위 풍경, 한순간도 쉬지 않고 움직이는 창작진의 일사불란한 움직임 그리고 죽음의 문턱에서 다양한 감각으로 삶을 환기시킨 공연의 여운은 꽤 오래 지속되었다. 실제로 13일 공연이 끝나고 진행된 관객과의 대화에서는 “이 공연을 보고 집에 돌아가면서 죽어도 여한이 없을 것 같다” “이 특별한 영화는 인생에서 딱 한 번만 볼 수 있다는 생각에 한순간도 놓치지 않으려고 숨을 꾹 참으면서 봤다”는 관객들의 생생한 감상이 이어졌고, 이에 창작진 또한 깊은 감사와 감동을 표시하면 서 화기애애한 대화가 이어지기도 했다. 손가락으로 빚어내는 고독과 절망, 사랑 비행기 사고로 시작되는 첫 장면부터 우주 비행사의 죽음으로 마무리되는 마지막 에피소드까지 <콜드 블러드>는 7개의 각기 다른 죽음의 순간을 다루고 있다. 죽음의 시간도, 공간도, 형태도, 느낌도 다 다르지만, 7개의 죽음은 모두 예상치 못한 순간에 찾아온 죽음이라는 공통점을 가지고 있으며, 갑작스런 죽음 앞에서 각 인물은 소중했던 이의 살결이나 그리운 순간의 향기 등 오감으로 새겨진 감각을 떠올리며 삶을 추억한다. 장면장면 스크린에 펼쳐지는 삶의 순간들은 매우 개별적인 기억이면서 도 보편적인 향수를 자아내는 것들이어서, 보는 내내 한동안 잊고 있었던 과거의 추억들이 선명하게 살아나는 듯한 체험을 할 수 있었다. 안무가 미셸 안느 드 메이가 안무와 실연을 맡아 선보인 손과 손가락 안무는 마치 살아 있는 인물처럼, 때로는 그 이상으로 섬세한 감정의 결을 살려 내면서 고독과 절망, 그리움 같은 감정들을 생생하게 전달했다. 관객과의 대화에서 그녀는 이러한 손가락 안무가 특별한 감정을 전할 수 있는 것은 손가락의 정교한 움직임뿐만 아니라 세트, 미니어처, 음악과 음향 그리고 내레이션 등 무대 위 다양한 요소들이 손가락과 함께 어우러져서 하나의 의미망을 만들어 내기 때문이라고 설명하면서 이 공연이 여러 예술가들의 공동 창작임을 다시 한번 강조하기도 했다. 또한 <콜드 블러드>는 전 세계에서 공연할 때마다 그 나라의 언어로 내레이션을 새로 녹음하는데, 이번 한국 공연의 녹음을 맡아 준 유지태 배우의 음성이 작품의 의미를 더욱 깊고 아름답게 전달했다는 점을 덧붙였다. 실제로 유지태 배우는 이들 창작진과 남다른 인연이 있다 해도 과언이 아닌데, 2014년 첫 내한 공연이었던 <키스 앤 크라이>에서 도 작품의 내레이션을 맡은 바 있으며, 이번 공연에서는 낮고 깊은 목소리로 낭독하는 내레이션이 끝나자마자 그의 대표작 중 하나인 영화 <올드 보이>의 OST 중 ‘우진(극중 유지태 배우가 열연했던 역할)의 테마’가 공연의 대미를 장식하며 진한 여운을 남겼다. 비장하면서도 애달픈 멜로디를 배경으로 환한 프리즘 속에 펼쳐진 만화경 같은 손가락 안무는 그 자체로 다채로운 감정을 끄집어내면서, 오로지 순간으로 만 존재하기에 아름다우면서도 슬픈 우리 삶을 관객 각자의 기억 속에 각인시켰다.

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[인터뷰] 바리톤 크리스티안 게르하허: 음악과 언어를 엮어 내는, 우리 시대의 음유시인

크리스티안 게르하허는 무대 위에서나, 혹은 무대 밖에서 나 한결같이 진지하고 사려 깊은 사람인 듯하다. 그가 구사하는 언어는 깊고 오랜 숙고를 거쳤으며, 그 어떤 주제도 얼버무리거나 에두르지 않고 핵심을 짚어 낸다. 사회 문제에 관해서도 적극적으로 의견을 표명하며, 음악과 사회에 관한 통찰력을 담은 책의 저자이기도 하다. 내한 연주회를 앞두고 진행한 서면 인터뷰에서도 게르하허는 성실하고 꼼꼼하게 대가수가 바라보는 세상과 음악을 전해 주었다. 글 이준형 음악 칼럼니스트 ©Clive Barda 우선 내한 연주회를 환영합니다. 오랜 세월에 걸친 헌신을 통해서 300여 곡에 달하는 가곡 전곡을 녹음한 슈만 프로그램이라니 더욱 반갑네요. 대학생 시절 뮌헨에서 헤르만 프라이(Hermann Prey)와 볼프강 자발리슈가 연주하는 <시인의 사랑>을 들으면서 처음 슈만 가곡을 접했다는 인터뷰를 읽은 적이 있는데요, 슈만과 이번 프로그램에 관한 열정과 이해를 좀 나누어 주실 수 있을까요?<리더 크라이스>는 아주 유명한 작품입니다만 다른 작품, 특히 후기작은 상대적으로 덜 알려졌으니까요. 제 생각에 슈만 가곡은 방대한 독일 가곡 레퍼토리에서 가장 위대한 업적 중 하나이며, 이후 현대까지 많은 가곡 작곡가에게 가장 중요한 영감을 준 존재라고 봅니다. 게롤트와 저는 슈만의 급진적인 미학을 사랑합니다. 복잡하고 모호한 시를 묘사적이거나 서술적, 혹은 오락 지향적이지도 않게 음악적으로 ‘번역’하는 방식을 통해, 텍스트와 음악을 추상적으로 결합하지요. 예를 들면, 그의 후기 가곡집 중 하나인 작품번호 90번(레나우 시에 의한 여섯 개의 노래와 레퀴엠)은 그런 예술적 자유를 매우 세련된 형태로 담았습니다. 슈만의 여러 가곡집은 가운데에 위치한 노래를 중심으로 배열한 경우가 많은데, 여기서는 다섯 개(2~6곡)의 노래가 하나의 틀을 이룹니다. 첫곡(레나우가 쓴 대규모 파우스트 시집에서 가져왔습니다)은 단순하고 거의 따분하게 시작하지만 첫 연이 거의 변화 없이, 하지만 겉보기에는 별다른 동기도 없이 갑작스러운 피아니시모로 되풀이되면서 다소 갑작스럽고 혼란스러운 감정이 생겨나지요. 이 구조의 다른 쪽끝은 극도로 어두운 이 가곡집을 마무리하는 ‘레퀴엠’으로, 더없이 풍부한 형식과 내용이 결합하면서 강렬한 육체적 힘과 관능이 만들어집니다. 이 두 노래 사이에는 두 번째와 세 번째 노래 그리고 더욱 강렬한 다섯 번째와 여섯 번째 노래가 조합을 이루어 비할 데 없는 감정의 추락과 활력을 드러냅니다. 그리고 다시 그 가운데에 있는 가곡집의 중심이 네 번째 노래 ‘목장 아가씨(Die Sennin)’로, 여기서 삶의 다른 한쪽으로서의 죽음은 거의 희극적일 정도로 무심하게, 그럼으로써 냉소적이고 허무주의적인 방식으로 상대화됩니다. 이 가곡집은 아주 어두운 시를 더욱 어두운 음악으로 다시 배열했다고 할 수 있습니다. 언젠가 “노래는 영적인 그 무엇을 이해하려는 육체적인 노력이다”라고 하신 적이 있습니다. 그런 점에서 가곡 리사이틀이 당신의 예술을 드러내는 궁극적인 무대라고 할 수 있을까요? 그렇습니다. 어떤 관념을 감각적으로 실현한다는 느낌은 가곡 리사이틀에서 가장 잘 실현되는 듯합니다. 제 경험으로는 그렇습니다. 저는 당신이 지극히 수사적인 표현으로 노래를 통해서 언어를 제시하는, 일종의 ‘말하는 가수’라는 점에 항상 깊은 인상을 받습니다. 음악과 언어를 함께 엮어 내는 자신만의 방식은 무엇인지, 목소리의 ‘색채’를 어떻게 만들어 내는지 말씀해 주시겠습니까? 시 형식을 통한 언어는 가곡의 기초를 이루는 예술로, 대체로 거의 이해할 수 없는, 때론 불가사의한 예술적 의지를 표현합니다. 그런 면에서 가곡은 오페라나 오라토리오보다 덜 구체적인, 관념적인 형식의 예술입니다. 복잡한 가사를 이해하는 것이 (가곡의) 목적이 될 수는 없지만, 불분명한 발음으로 인한 혼란이 없도록 노력할 수는 있죠. 그렇게 고유한 의미의 음향을 만들어 내고 청중이 집중하도록 하는 것이 제 작업의 가장 중요한 부분입니다. 청중에게 이를 가능한 한 간결하게 전달하는 과정에서 ‘노래의 채색’은 꼭 필요한 해석의 도구지만, 이런 ‘의미의 색채’를 가사에 있는 모음의 색깔과 뒤섞거나 혼동해서는 안 됩니다. 모음의 색깔은 변하지 않기 때문이죠. 당신의 연주, 특히 가곡 리사이틀에서 청중은 아주 중요한, 근본적인 부분인 것 같습니다. 심지어 “청중은 해석의 공동체와 같다”고 하신 적이 있지요. 그 말은 연주자와 청중이 예술 작품을 이해하기 위해 공동의 노력을 한다는 뜻입니다. 가곡 리사이틀에는 오페라 극장의 프로시니엄(proscenium(커튼 앞에 있는 무대의 앞부분)) 같은 것이 없습니다. 무대의 환상과 청중 사이 일종의 장벽인 프로시니엄은 줄거리의 의미를 일반화해서 전달하는 기능을 하고, 그렇게 모든 청중이 ‘적어도 비슷하게’ 이해하게 됩니다. 반면 가곡 리사이틀 배치는 그와는 다릅니다. 모든 사람이 같은 공간에서 다소 추상적인 예술 작품을 접하지요. 객석의 청중은 시 그리고 시를 음악으로 표현하는 가곡을 자기만의 관점과 미묘하게 다른 ‘앵글’을 통해서 이해합니다. 연주자도 여기에 포함됩니다. 청중과 같은 공간에서, 자기가 일정한 형태로 전달하는 예술 작품을 그들과 마찬가지로 그저 어렴풋이 감지할 따름이지요. 말하자면, 가곡에 관한 분명한 견해를 전달하기보다는 수많은 해석의 가능성이 만들어지는 예술과 정면으로 맞서는 상황이라고 할 수 있습니다. 아마도 한국에서 만날 청중 상당수는 독일어를 이해하지 못할 겁니다. 물론 자막이 도움이 되겠지만, 이런 상황이 해석이나 연주의 변화를 불러오는지 궁금합니다. 그러지 않으려고 노력합니다. 매우 미묘하고 추상적인 예술 작품, 다양한 방식의 이해를 통해 아름답게 빛나는 이 훌륭한 예술 장르에서 자칫 해석의 폭을 좁히거나 진부하게 만들 수 있기 때문이지요. 연주자는 가사 그리고 가사에서 영감을 받아 만들어진 음악이 결합하면 서 빚어낸 독자적인 표현 능력을 신뢰해야만 합니다. 이번 연주회에 피아니스트 게롤트 후버(Gerold Huber)와 함께 오시지요? 두 분은 같은 도시 출신이고 친구이자, 함께 공부하고 30년 넘게 연주한 평생의 예술적 동반자인데요, 두 분의 우정과 협력 관계에 관해 듣고 싶습니다. 아내와 결혼하고 가정을 이룬 걸 제외하면, 게롤트와의 협력은 제 인생에서 가장 중요한 결실이자 선물입니다. 다른 연주자를 존중하지만, 게롤트야말로 우리 시대의 가장 위대한 가곡 피아니스트라고 감히 말하고 싶네요. 우리 두 사람은 가곡에 관해 다르게 접근합니다. 게롤트가 순수한 음악가로서 접근한다면, 학문적인 음악가가 아닌 저는 그보다 좀 더 가사에서 접근한다고나 할까요? 특히 리듬에 관한 문제에서 저는 고마운 마음으로 그의 인도를 따릅니다. 대학교에 들어가면서 처음 슈만의 <시인의 사랑>으로 함께 연주를 시작한 지도 벌써 36년이 넘었네요. 이제 우리의 리허설 과정은 아주 효율적입니다. 리듬을 똑같이 맞추는 데 신경 쓰거나 과도한 의견 교환 없이 합리적으로 접근하고, 무대에서 서로를 방해하지 않으면서도 각자의 아이디어를 자유롭게 펼칠 수 있으니까요. 피아니스트 게롤트 후버 ©Marion Köll 당신은 자연스러운 표현과 지적인 해석을 결합한 독특한 예술가입니다. 자신이 독학을 통해 탄생한 예술가라고 생각하시나요? 또 영감이나 영향을 받으신 성악가들이 있는지요? 대학에서는 의학과 성악을 동시에 공부할 수 없었어요. 그래서 성악가 경력을 위해 개인적인 방법을 찾아야만 했죠. 긍정과 부정 측면이 모두 존재했는데, 스스로 예술적인 비전을 계발하고 실현해야만 했다는 점에서는 일부 독학했다고 할 수 있겠네요. 하지만 사실 ‘독학’은 예술가들에게 흔한 마음가짐입니다. 자기 자신을 가르치지 않고서는 예술가의 삶을 살 수 없기 때문이지요. 그렇지만 저는 동시에 피셔디스카우와 그가 남긴 유산의 추종자라고 생각합니다. 피셔디스카우는 가곡 레퍼토리를 표현하는 방식에서 더 은유적이고 명상적인 스타일을 ‘발명’했습니다. 그리고 오랫동안 유흥적이거나 심지어 개인적인 방식으로 다루어졌던 이 복잡한 장르에 청중이 지성적으로 접근하는 태도를 갖추도록 만들었지요. 그 밖에 다른 우상은 헤르만 프라이, 프리츠 분덜리히(Fritz Wunderlich), 호세 반 담(José van Dam)을 꼽을 수 있겠네요. 팬데믹 이후 음악계에도 많은 변화가 있습니다. 클래식 음악 연주회, 특히 가곡 리사이틀의 미래가 긍정적이라고 생각하십니까? 우리가 연주하는 예술의 미래가 아주 밝지는 않은 듯해서 걱정스럽긴 합니다. 그래도 이런 훌륭한 장르, 클래식 음악에서 얻는 모든 기회와 즐거움에 감사하는 마음이죠. 이처럼 고도로 정제된 예술 형식이 금세 사라지리라 생각하지는 않습니다만 유럽, 특히 독일에서 클래식 음악 교육은 점점 빈약해지고 있습니다. 예술 교육이야말로 가곡처럼 문학과 음악, 많은 역사적 의미를 담은 복잡한 예술 형식의 이해를 위해 정말 중요한 기반인데 말이죠. 앞으로의 연주와 계획을 알려 주실 수 있을까요? 저와 게롤트는 이번 시즌에 서로 다른 네 개의 슈만 프로그램을 연주하는데, 그중 하나는 소프라노 율리아 클라이터(Julia Kleiter)와 함께합니다. 또 브람스 가곡으로만 꾸민 리사이틀 실황 녹음이 5월 25일에 발매되죠. 비올리스트 타베아 치머만(Tabea Zimmermann)과 함께하는 리사이틀에서는 브람스와 로베르트 푹스(Robert Fuchs), 볼프강 림(Wolfgang Rihm), 오트마르 쇠크(Othmar Schoeck) 등의 작품을 연주합니다. 그 밖에 슈베르티아데, 위그모어홀, 뮌헨 오페라 페스티벌, 잘츠부르크 페스티벌, 잘츠부르크 부활절 페스티벌, 도쿄 봄 페스티벌 등에서 오페라 <파르지팔〉과 <시몬 보카네그라>, 오라토리오 <엘리야>, 콘서트 형식으로 상연하는 슈만의 <괴테 파우스트의 장면들>, 브람스 <독일 레퀴엠>, 말러, 볼프, 슈베르트, 베버, 슈만, 알폰스 디펜브로크(Alphons Diepenbrock)의 관현악 가곡과 아리아를 연주하지요. 내년 시즌에는 게롤트와 제가 만든 소규모 축제인 ‘가곡 주간(Liedwoche)’의 네 번째 시즌을 엘마우 성(Schloss Elmau)에서 개최하면서 슈베르트 가곡을 모은 새로운 프로그램을 선보입니다. 오페라 무대에서는 파리에서 <피가로의 결혼>의 백작을 노래하고 잘츠부르크에서는 <라인의 황금>의 보탄, 취리히에서는 <탄호이저>

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